La visita

Visito este mítico taller, en el entorno de la avenida de Miraflores, una mañana de verano. Las viviendas del Retiro Obrero y el esqueleto de la fábrica de vidrios La Trinidad atestiguan el pasado de esta zona de la ciudad, punta de lanza del tímido proceso de industrialización de Sevilla desde finales del siglo XIX. Otras manufacturas, transformadas en edificios de viviendas, han conservado únicamente sus hermosas fachadas de ladrillo. Situado en una breve calle, el taller de Seco ocupa un amplio hangar, precedido de un frondoso patio y coronado por una enorme claraboya que inunda el espacio de luz natural. Aquí trabajo y voluntad pedagógica no están reñidos: el taller invita a un recorrido libre pero sumamente instructivo por la historia de la casa y por las diferentes técnicas del trabajo de la plata. Todos estamos en nuestro lugar, el visitante y los trabajadores. Nadie se estorba en su ocupación. Seco produce piezas destinadas tanto a enriquecer el patrimonio de las hermandades como a decorar casas de particulares. Empiezo por el museo. Una larga pared exhibe los innumerables modelos en bronce, latón y madera, para el exorno doméstico, que el taller ha producido a lo largo de su historia: santos, animales, cruces, una Giralda en miniatura, flores… incluso una serie de cabezas de mujer egiptizantes. La acumulación de formas, colgadas unas sobre otras, hace pensar en el muro de un templo que los fieles hubieran cubierto de exvotos cargados de misteriosa intención. El uso y el envejecimiento, diferente según el material, recubre los modelos de una delicada pátina. Uno tiene la sensación de encontrarse en un recinto casi sagrado, depositario de montañas de historia y de vida.

El taller

En el taller propiamente dicho, los retratos de los miembros de la saga familiar bendicen el trabajo que aquí se realiza. Todo está a la vista: bellamente dispuestos, herramientas, moldes y muebles cuentan el devenir de la familia y trazan la evolución de las técnicas de orfebrería a lo largo del tiempo. El espacio, que ha aparecido en algunas revistas de interiorismo, responde a las necesidades de un taller sin dejar de ser sumamente hermoso, evocador pero vivo. Me explican que, contrariamente a la herrería, la orfebrería utiliza técnicas que revisten una mayor delicadeza. Así, desde el dibujo previo del modelo hasta su terminación, la pieza atraviesa diversos procesos de elaboración, ornados de un poético vocabulario especializado: fundición del metal en el crisol, vertido en el molde, repujado, pulido, montaje final ejecutado por el experto en lampistería… Jerónimo, uno de los dos herederos de la saga, cincela una pieza de plata con un pequeño martillo. Los golpes son decididos pero también delicados. He admirado La fragua de Vulcano muchas veces colgado en el Prado. El dios de la mitología clásica no es orfebre, sino herrero, pero no puedo evitar pensar en los gestos, en los sonidos del cuadro. Qué diferente del mustio teclear que acompaña buena parte de nuestra vida ante la pantalla. En el otro extremo del taller, me muestran cómo el metal fundido penetra por los orificios (los bebederos) del molde, colmando todas sus concavidades. Sorprendentemente, el interior del molde está compactado con arena. Cuesta creer que un material tan maleable resista el empuje abrasador del metal, que lo obligue a adoptar una forma específica. Parece que ya los musulmanes utilizaban este procedimiento. Me paseo por el espacio, impregnándome del ambiente distendido y concentrado, hacendoso. Una aprendiz observa con atención cada gesto del maestro, como siempre ha sucedido en los talleres de los diferentes gremios. Siento entonces nostalgia por algo que nunca he conocido: el trabajo manual, el estar absorbido en la creación de algo tangible. Ser el depositario de una pericia que han pulido generaciones de devoción por el oficio y que se manifiesta en los gestos certeros de unas manos.

Antes de marcharme, visito el despacho del taller, presidido por una colosal Inmaculada barroca al óleo de la escuela de Murillo. Una corona de Dolorosa labrada en plata centellea dentro de una urna. Me acuerdo de aquellas Semanas Santas de mi infancia, mágicas y luminosas.

www.orfebreseco.com

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No todo es idílico. Como en el resto de Europa, la moral andaluza ha condenado la homosexualidad como una conducta desviada. Sin embargo, el entramado social y cultural local también encontró un lugar para los que se salían de la norma. En ese punto, el mariquita andaluz aparece como una figura que, entre folklore y supervivencia, entre pasado y presente, cuestiona las construcciones sociales (de clase, de género) que han regido, y que rigen, la sociedad andaluza.

Entre París y Sevilla, esta charla telefónica invita a Rafael Cáceres Feria, profesor de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Pablo de Olavide y autor del artículo « Los mariquitas del sur: la construcción de un modelo de homosexualidad en Andalucía ».  ¿Quién es el mariquita andaluz? ¿Cómo se ha articulado su existencia dentro de la sociedad andaluza? ¿Es Andalucía tolerante?

También disponible en Spotify (Bonjour Séville).

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El arte

Los Exvotos son los enfants terribles de la creación sevillana. Su trabajo mezcla tradición y modernidad y juega con la religiosidad popular y con el paganismo. El metal, la madera y, sobre todo, la cerámica se transforman entre sus manos en piezas cargadas de humor y de sofisticación. Sus referencias recorren el Barroco y la Antigüedad, las vanguardias, el misticismo e incluso el kitsch. Un torrente de genio andaluz. « Nosotros no buscamos la perfección, creemos mucho en la espontaneidad. No nos interesa lo perfecto, lo simétrico. Nos atrae la asimetría, lo impuro, lo ajado. Esa maravillosa imperfección que termina siendo doblemente bella. Lo que más me gusta pintar son bizcos. De hecho, son las piezas que mejor vendemos », explica Daniel. « Nosotros no vedemos humo. Somos amantes de la belleza y tenemos una idea concreta de lo que nos gusta, pero también nos dejamos llevar por el momento. Tiene que ser fresco. Buscamos la chispa, la autenticidad, la luz. La luz natural lo es todo. Aunque no lo parezca, no nos gusta el artificio. Por ejemplo, la serie #lahoradelafruta, que publicamos regularmente en nuestro perfil de Instagram, nace de un hábito que realmente forma parte de nuestra rutina diaria. » Los Exvotos hacen de la vida una obra de arte. No solo en lo material: ser recibido en su taller constituye una experiencia teñida de espíritu costumbrista y, al mismo tiempo, enteramente cosmopolita. Cada visita tiene algo de ritual iniciático bajo el signo de la naturalidad y, en definitiva, del arte.

El taller

Situado en el norte del casco antiguo, el taller de Daniel y Luciano es un lugar de peregrinación para connaisseurs. Un auténtico cabinet de curiosités donde, cuando no tiene visitas, la pareja trabaja en un ambiente monacal. La exuberancia de las piezas contrasta con la concentración que se respira. #quieroelconvento es de hecho el hashtag que más repiten los Exvotos últimamente en las redes sociales. « Somos conventuales en cuanto a nuestra rutina. Es el estilo de vida que nuestro trabajo necesita y también al que aspiramos: la vida de los monjes, centrada en rezar y en trabajar. La oración tomada como una meditación, un estar en contacto con uno mismo. » Daniel y Luciano vuelcan toda su energía en encontrar un lugar en el que alcanzar este ideal. « Comprar una casa en la que que el trabajo se fundiera con la vida. » Tras el confinamiento, parece que todo el mundo anda detrás de lo mismo: la demanda de viviendas con patio, terraza o jardín se ha disparado. « Hace años que quiero comprar un espacio al aire libre que solo sea mío y ahora parece que todos quieren el convento », exclama Luciano. « No hay nada que nos guste más que un horizonte. Lo que más me remueve les entrañas es la Campiña sevillana: un olivar, una tierra carma, los paisajes de mi infancia, la Vega de Carmona. La naturaleza es una de nuestras mayores fuentes de inspiración, pero porque la anhelamos. »

La ciudad

Entre el centro, donde viven, y la Macarena, donde trabajan, la cotidianidad de los Exvotos se reparte entre dos Sevillas bien diferentes. « Vivimos en la zona cero de Sevilla: una ciudad bellísima y alegre pero anónima. No hay barrio, no hay convivencia. Durante los aplausos de las 8, éramos pocos los que salíamos a la ventana porque todo son apartamentos turísticos que, durante el confinamiento, estaban vacíos. Por el contrario, San Luis es un barrio de verdad, con personalidad », sentencia Luciano. « Sevilla ha cambiado muchísimo. Cuando nosotros llegamos, era una ciudad ensimismada, parada. De repente, todo empezó a apoyarse en el turismo y eso tuvo consecuencias en el precio de la vivienda y de los locales. » Daniel añade: « Sevilla está muy descafeinada. Hemos conocido una Alameda, una Carbonería, unos ambientes que ya no existen. Quedan reductos, pero tienes que saber encontrarlos. Se ha perdido la autenticidad. Lo comprobamos cuando vamos a nuestros pueblos y vemos que allí sigue existiendo vida de verdad. » Luciano abunda: « Una ciudad no son solo sus edificios, sino sobre todo su gente. Los turistas vienen hoy a Sevilla como quien va a Disneylandia. ¿En Disneylandia vive alguien? No, ¿verdad? Pues en el centro de Sevilla ya tampoco vive nadie. »

Epílogo

« A veces nos encontramos a la Esmeralda por la calle (« sois los muñecos de la tarta »). Esos momentos nos dan la vida y nos devuelven aquella Sevilla. Grandes figuras como ella no reciben la atención que merecen. Sevilla puede ser muy dejada y olvidadiza. Ocaña se fue a Barcelona y brilló. » Una vez acabadas, la mayoría de las piezas de The Exvotos viajan fuera de Sevilla. El genio que esta ciudad amamanta sigue encontrando su mejor público en otros lugares. « También es verdad que aquellos personajes geniales siempre han abundado en Andalucía. Eran parte de la vida cotidiana y tal vez por eso no se les cuidó, y no se les cuida, como es debido. »

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Entre París y Sevilla, la siguiente charla invita a Miguel Fragoso, el artífice de todo esto. Su talento y su dedicación moldean desde 1978 el interior y el espíritu de un lugar en el que cabe buena parte de la ciudad. ¿Qué fue antes: Sevilla o Garlochí?

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« Si como maricón soy válido para bordarte el manto o para vestirte a la Virgen, ¿por qué no puedo hacer mi estación de penitencia de mantilla? »

La tradición como medio para definirse personal y artísticamente. El folklore como recurso para subvertir lo establecido. Cada uno recorre un camino propio en su relación con la tradición, rechazado o incorporando diversos aspectos. Andalucía ofrece una fuente inagotable de recursos para reflexionar sobre la inconsistencia de gran parte de las normas. ¿Por qué un hombre vestido de mujer sigue siendo un acto revolucionario?

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La escena queer andaluza bulle. Artistas de diferentes disciplinas se cuestionan el género y la sexualidad a través de su trabajo. Andalucía, en permanente tensión entre iconoclastia y tradición, entre licencia y represión, parece constituir un buen caldo de cultivo para esta nueva ola de creadores que pone en entredicho el modelo heteropatriarcal y que resignifica el folklore. Una reflexión sobre el presente que parte del reconocimiento del legado de artistas y activistas del pasado. Una reivindicación de la figura del mariquita andaluz como fuente de inspiración inagotable.

« Aquí el folklore ha servido para camuflar la pluma de una forma muy bonita. »

La siguiente charla invita a tres jóvenes actores de esta nueva escena: Belial (@shoutsandbites2), artista drag y activista cuyo trabajo busca « hacer del mundo un lugar un poco mejor »; Carlos Carvento (@ccarvento), bailarín cordobés de danza clásica y contemporánea e impulsor del proyecto Maricón de España; y Jesús Pascual (@jesuspascualsh), licenciado en comunicación audiovisual y director del cortometraje-manifiesto MIARMA, protagonizado por el propio Belial. Savia nueva para una tierra vieja.

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Blanca es una de las pocas personas en España (seguramente en el mundo) que, habiendo estudiado moda, no quiere dedicarse a ella. « Me siento ajena al lado mercantilista de la industria. Lo mío es la investigación y la enseñanza. Tengo una visión antropológica, filosófica casi, del vestir. La moda, algo propio al ser humano, refleja su historia. Creo que puede ser un buen camino para comprendernos. Esa es la vertiente que me atrae. »

La historia de Blanca refleja la dualidad de Sevilla. Su familia materna pertenece a la alta burguesía local; la paterna sufrió el exilio en carne propia. En ambas, la figura de la abuela. « Clotilde, la madre de mi madre, se ha interesado siempre por al arte. Para ella, la armonía y la belleza se encuentran en los detalles, también en el vestir. Encarnación, mi abuela paterna, me regaló mi primera máquina de coser. » La moda se impuso de forma lógica, no solo como el oficio, sino como el prisma con el que enfocar su propia historia. « He crecido rodeada de mujeres con una sensibilidad estética y con una formación muy completas. Mujeres inquietas que, inconscientemente, me han transmitido un espíritu curioso y creativo. Hay que educar el ojo. »

Blanca realizó sus estudios en Valencia, « una ciudad mediterránea, barroca, de tradiciones arraigadas, pero también con una burguesía industrial potente, abierta, culta. » Luego estudió dos años en Berlín. « Las jóvenes turcas de mi barrio me recordaban a las sevillanas en su forma de arreglarse: estampados, abalorios, oro antes que plata. » Le cuento que a mí me ocurrió algo parecido durante los meses que viví en India. Las mujeres vestidas de sari, con sus colores, sus pliegues primorosamente dispuestos, sus flores adornando el cabello, me hacían a menudo pensar en flamencas camino de la Feria. « Como buena ciudad barroca, Sevilla siempre ha sido aficionada a las arquitecturas efímeras: palcos de la Semana Santa, altares del Corpus, balcones, patios… La propia Feria es un « quita y pon » arquitectónico. Igual ocurre con la moda. Existe una indumentaria efímera. Nos compramos trajes, chaquetas, zapatos o complementos para asistir a una boda, a un bautizo y, por supuesto, a la Feria, que es una experiencia estética. Durante esos días, la ciudad sale a escena y recrea estampas muy peculiares. Y no solo hablo de la mujer vestida de gitana, sino también de los hombres y la cultura del traje de chaqueta. Existe una especia de dandismo andaluz. Supongo que el clima y el estilo de vida, volcado en la calle, se reflejan en nuestra afición por mostrarnos, a veces por presumir. En el sur nos encanta adornarnos. »

La elegancia es eliminación (Cristóbal Balenciaga).

Blanca es una rara avis en la ciudad. La austeridad y la pureza tiñen su visión de la moda, más cerca de Escandinavia que de Andalucía. Menos es más. Pero, ¿y si esa exuberancia andaluza antes mencionada no fuera sino un disfraz? « Quizás el adorno sea algo impuesto. Cuando miro fotos antiguas, de mis abuelas por ejemplo, encuentro un vestir más sencillo, casi humilde, pero también más elegante. Armonía y discreción. La gente de los pueblos también tenía un sentido de la elegancia que ahora ha desaparecido, aunque tal vez esa sea una visión un poco idealizada por mi parte. Supongo que esa evolución hacia el exceso, pareja a la sociedad de consumo y al prêt-à-porter, se ha dado en todas partes, no solo aquí. Con todo, Sevilla ha cambiado mucho: la gente ha salido fuera y ha traído variedad y cierta modernidad en el vestir. »

Sin ninguna relación profesional con la moda flamenca, Blanca se ha vestido de gitana desde pequeña. « Observo algo parecido en la evolución del traje. Hoy impera la exageración, cuando antes lo hacía la gracia. Si tuviera que crear un traje de gitana, haría algo más puro y clásico. El volante como único recurso y un tejido liso. Jugaría con la silueta. » A los pocos días de nuestra conversación, me envía unos maravillosos figurines que recogen esas ideas (fotos en la cabecera y al final de este texto). «  Me gustan los trajes de una pieza, sin escote por detrás y en forma de pico por delante. Lunares pequeños, por supuesto. Un mantoncillo cogido con un broche; una flor, de tamaño prudente, en lo alto; algún peinecillo y corales. No hace falta nada más. Mis abuelas darían el visto bueno. »

Tras diseñar para varias marcas, Blanca se dedica a la enseñanza. « Me he ido descubriendo poco a poco. Creo en la desaceleración y en lo esencial. No me van los escaparates ni las pasarelas. La moda es un lenguaje que necesita tiempo para contar su historia. Me interesa desentrañar esa historia, que al fin y al cabo es la nuestra. La enseñanza me lleva por esa senda. » Esta alquimista del vestido me deja con esta idea revoloteando por la cabeza. El nuevo mundo que se avecina debería ser de los creadores de su estirpe. « ¿Quién visita hoy el Museo del Traje en Madrid o el de Artes y Costumbres populares aquí en Sevilla? Y sin embargo, sus colecciones reflejan el devenir de la historia igual de bien que cualquier museo de historia o de Bellas Artes. »

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Visito la Casa una tarde de septiembre. Hasta hoy, cada vez que pasaba delante, entraba en el zaguán para admirar su patio, uno de los más bellos de Sevilla, desde la reja. Sergio, miembro de la Asociación Casa del Pumarejo , me espera en la plaza y me invita a entrar. El Pumarejo pertenece a la prestigiosa estirpe de casas sevillanas con patio señorial y escudo de armas tallado en la fachada. Sin embargo, ha tenido una evolución completamente diferente a las demás: desde finales del siglo XIX hasta nuestros días, ha funcionado como casa de vecinos. El patio alberga un magnífico revestimiento de azulejos y las columnas son de caoba cubana. La galería del primer piso está pintada de rojo y ocre. A diferencia de los de otras casas de ilustre pasado, es un patio animado, con innumerables macetas primorosamente cuidadas por los vecinos. Actualmente solo el 30% de la casa está en uso. Una señora se asoma a una de las ventanas de arriba. Ha oído voces en el patio. Sergio la tranquiliza: todo está bien. Me explica que es una de las pocas vecinas que sigue viviendo aquí.

El Pumarejo es un referente en resistencia y lucha contra la especulación. Quisieron transformarlo en hotel, echar a sus vecinos, construir apartamentos … Pero una actividad organizada y decidida tumbó estos proyectos uno a uno. La Asociación tiene diferentes comisiones que cubren todos sus objetivos. La comisión RQR está a cargo de las negociaciones con el Ayuntamiento, propietario de la casa desde 2011 después de un proceso tortuoso. El departamento de comunicación establece y regula los contactos con otras asociaciones, en España y en el extranjero. Muchas se han interesado por las actividades de la Casa, por ejemplo Flamenco en France, en París, que ha mantenido la misma lucha con el ayuntamiento de la capital francesa.

En una esquina del patio, las instalaciones del Centro de Vecinos de Pumarejo acogen las actividades de los muchos grupos que lo componen: grupos de mujeres víctimas de violencia machista, de acogida a inmigrantes… También hay una biblioteca autogestionada. El Centro también tiene su propia moneda: el puma. Sergio me habla sobre la diversidad de perfiles que participan en este proyecto único en Sevilla: abuelas, okupas, niños … Una rica variedad de perfiles que contribuye a la horizontalidad del proyecto. De hecho, la casa es un auténtico laboratorio, un caldo de cultivo para iniciativas sociales. Una fuente de inspiración contra la mercantilización de la ciudad. Un espejo en el que Sevilla debería mirarse en estos tiempos inciertos.

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Para ilustrar las explicaciones de su madre, María José, la hija que ha tomado el relevo en el savoir–faire familiar, va sacando algunas piezas de la colección de mantones antiguos que ambas han reunido con los años: mantones isabelinos, chinescos, de cigarrera, Art déco, mexicanos… «El oficio de bordadora se transmitía de madres a hijas. Desde muy pequeñas, las niñas se entrenaban con un pequeño bastidor y luego seguían su aprendizaje en un taller. El sueldo que una bordadora traía a casa era vital para la economía familiar.» Uno se pregunta cuántas horas de trabajo se lleva cada pétalo, cada hoja, cada motivo bordado en la seda. ¿En qué pensaría la bordadora mientras dibujaba con aguja e hilo las alas de ese pájaro? Ángeles prosigue: «A partir de los años 60, el mantón entró en crisis: se perdió la calidad del bordado, los matices en el color. Empezaron a producirse de forma casi industrial para los turistas. Yo siempre me esforcé por proteger, por recuperar la esencia del mantón antiguo».

En 1979, Ángeles Espinar expuso por primera vez en una muestra de artesanía celebrada en el paseo Marqués de Contadero. «Lo vendí todo y lo mismo ocurrió en todas las exposiciones posteriores.» Justo enfrente de su casa en Villamanrique, al otro lado de la calle, se encuentra el taller. «En la mejor época empleaba a alrededor de 100 bordadoras. Hoy tengo 5 o 6. La imagen tradicional de las bordadoras trabajando juntas en un taller no existe desde los años 50: ahora se llevan el trabajo a casa y lo entregan una vez terminado». María José me muestra cómo se dibujan las plantillas que sirven para los diferentes motivos de bordado. Además, me enseña una pequeña colección de plantillas antiguas, en papel de arroz, algunas con el sello de Canton estampado en tinta. También da algunas puntadas para mostrarme cómo se borda un mantón. Con precisión y delicadeza, maneja la aguja y el hilo para, una a una, dar las puntadas que irán dibujando el pétalo de una flor. Me siento un poco ridículo grabando con mi iPhone las manos de María José, cuya pericia encierra más belleza y más verdad que cualquier gadget tecnológico. Y es que una visita al taller de Ángeles Espinar tiene algo de viaje en el tiempo, o más bien de una pausa en el tiempo. Como si los minutos se quedaran prendidos en esas manos expertas, o en esos jardines bordados en seda y siempre en flor.

«Elle a un beau point». C’est ainsi qu’était défini dans le passé le talent de certaines brodeuses de mantones spécialement douées pour le métier. Parce qu’une chose est de bien broder et une autre est d’avoir cette chose indéfinissable qui donne de la vie à la broderie. Quelque chose qui n’est pas apprise, que l’on a ou que l’on n’a pas. C’est Ángeles Espinar qui m’explique tout cela dans le salon de sa maison, dans le village de Villamanrique de la Condesa, à 30 kilomètres de Séville. La porte ouverte du jardin laisse pénétrer la lumière de l’automne. Dehors, je peux voir un bouquet de roses fraîchement coupées sur une table. Ángeles, 80 ans, me raconte avec passion l’histoire de son atelier. «Ma mère a commencé dans les années 30. Villamanrique fabriquait à cette époque presque toute la broderie pour les usines de Séville. Auparavant, les châles venaient tous de Canton, dans le galion de Manille, mais ils ont finalement commencé à être produits localement.»

Pour illustrer les explications de sa mère, María José, la fille qui a repris le savoir-faire familial, sort quelques uns des mantones anciens de la collection que mère et fille ont rassemblée au fil des ans: des modèles isabelinos, chinois, de cigarrera, Art déco, mexicains … «Le métier de brodeuse était transmis de mère en fille. Dès leur plus jeune âge, les filles recevaient un petit châssis pour broder. Elles suivaient ensuite leur apprentissage dans un atelier. Le salaire qu’une brodeuse rapportait à la maison était vital pour l’économie familiale. » On se demande combien d’heures de travail prend chaque pétale, chaque feuille, chaque motif brodé dans la soie. À quoi penserait la brodeuse en dessinant au fil et à l’aiguille les ailes de cet oiseau-là ? Angeles poursuit: «A partir des années 60, le mantón est entré en crise: le savoir-faire de la broderie s’est perdu. Ils ont commencé à être produits presque de manière industrielle pour les touristes. De mon côté, je me suis appliquée à protéger, à récupérer l’essence du mantón à l’ancienne. «

En 1979, Ángeles Espinar expose pour la première fois lors d’une exposition d’artisanat à Séville «J’ai tout vendu et ça a été pareil dans toutes les expositions suivantes.» L’atelier se trouve juste en face de sa maison à Villamanrique, de l’autre côté de la rue. «À la meilleure époque, j’employais environ 100 brodeuses. Aujourd’hui, j’en ai 5 ou 6. L’image traditionnelle des brodeuses travaillant ensemble dans un atelier n’existe plus depuis les années 50: maintenant, elles ramènent le travail à la maison et le livrent une fois terminé» . María José me montre comment les modèles utilisés pour différents motifs de broderie sont dessinés. Elle me montre aussi une petite collection de vieux modèles, sur du papier de riz, certains avec le sceau de Canton estampé à l’encre. Elle fait également quelques points dans la soie pour me montrer comment on brode un mantón. Avec précision et délicatesse, elle manie l’aiguille et le fil pour donner, un à un, les points qui vont dessiner le pétale d’une fleur. Je me sens un peu ridicule d’enregistrer avec mon iPhone les mains de María José, dont le savoir-faire renferme plus de beauté et de vérité que n’importe quel gadget technologique. C’est qu’une visite de l’atelier de Ángeles Espinar est comme un voyage dans le temps, ou plutôt une pause dans le temps. Comme si les minutes restaient accrochées à ces mains expertes, ou à ces jardins brodés en soie et toujours en fleur.

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Calle Cuna, 8

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