El abuelo Manuel llegó a Sevilla, de la provincia de Cádiz, no se sabe cuándo. Personaje misterioso, su espíritu alegre y emprendedor ha quedado sin embargo en las crónicas del antiguo mercado de la Encarnación, donde cogió un puesto de flores en 1920. Su hijo se hizo cargo del negocio, y del apodo Ramitos, a los 19 años. «Mi abuelo se abastecía en las huertas de la ciudad; los viveros no existían en aquella época. La Macarena, por ejemplo, fue hasta hace un siglo barrio de hortelanos y jardines. Mi padre ya conoció la producción que llegaba de fuera: primero de Barcelona y Granada; luego de Almería. La oferta era bastante limitada, sujeta a las temporadas: clavellinas y claveles, rosas, gladiolos, crisantemos, anémonas. Después llegó Chipiona y se hizo con el mercado». A principios de los 70, la familia se instala en un kiosco detrás del mercado, que aun sigue ahí. «Mi padre vivía entregado a su trabajo. Llegó a ocuparse de 25 hermandades. Se pasaba el día entero recorriendo las iglesias de la ciudad, haciendo las entregas. Le llevábamos el almuerzo y se lo comía de pie, en una tabla que colocaba encima de un contenedor. Con todo, entonces el trabajo tenía un cariz más humano, más próximo a la gente. Yo me pasaba muchas horas en el kiosco y recuerdo, por ejemplo, las charlas con los tenderos del mercado. Hoy no hay tiempo para esos momentos».

En un reportaje publicado en el diario Ahora en 1935, Manuel Cháves Nogales escribe: «En Sevilla no hay más que dos o tres floreros que sean capaces de poner como es debido la canastilla de un paso. Uno de ellos es el jardinero del hospital de la Caridad. Estos artistas de la flor se hacen cargo del paso la madrugada anterior a la salida de la cofradía. (…) Con el ramo de flores en la mano, y a veces con un minúsculo capullito de azahar entre el pulgar y el índice, el artista de la flor, frente al paso, mira y remira, se acerca, se retira, ladea la cabeza, guiña los ojos, sube, baja y se abstrae, como un iluminado, antes de poner la breve pincelada de una flor». ¿Es el florista un artista? En Francia se les considera artesanos (artisan fleuriste). «No es igual vender flores que hacer creaciones florales. Vestir un paso, una iglesia o simplemente un salón requiere sensibilidad y creatividad. Mi abuelo y mi padre fueron autodidactas, se formaron a base de observación y de criterio. Mi hija y yo ya estudiamos en la Escuela de Arte Floral de Madrid y en la de Bollullos. El oficio de florista ha evolucionado, se ha sofisticado con el tiempo. Antes era mucho más duro, más físico». Levantar el monte de flores de un paso de Semana Santa era antaño un trabajo de Titanes. Las flores se clavaban en un amasijo hecho con pasto de cerezas, esto es, con las ramas, tallos y hojas que guardaban la frescura de esta fruta durante su transporte en verano y que, para primavera, habían tenido tiempo de secarse. Bien compactada, esta materia vegetal se moldeaba y se retenía al paso pasándole por encima varias filas de alambres. Este era el soporte del monte, en el que se hincaban los claveles. Cada flor iba atada a un trozo de caña con un poco de alambre, que se obtenía quemando colchones viejos y sacándoles los muelles. El extremo de la caña se afilaba para obtener una especie de flor-puñal que, clavadas una a una, iban cubriendo la superficie. Todo se aprovechaba. Un verdadero ejemplo de ingenio, artesanía y reciclaje. Un paso de Cristo lleva 250 docenas de claveles.

Tras la construcción de las Setas, Ramitos abandona la cooperativa del mercado y se instala en el local que ocupa todavía hoy. De allí sale toda la decoración floral, primorosamente seleccionada y compuesta, para la Catedral y para la Macarena. El grueso del negocio sigue estando destinado a las hermandades y el momento de mayor actividad sigue siendo la Semana Santa. «Mi abuelo y mi padre tenían que emplear a personal extra durante esa semana. Todo era mucho más laborioso. En los 80 apareció la esponja, que permite clavar la flor directamente, y todo se volvió más sencillo. Desde la nostalgia por el pasado, aquello era bonito, el ambiente y los lazos que se creaban durante la decoración del paso. Pero también era una auténtica paliza». ¿Y el sevillano? ¿Qué compra el cliente particular? Mucho nardo en temporada y margaritas todo el año. « El sevillano sigue comprando más plantas que flor cortada porque quiere que le dure para siempre. Eso, evidentemente, es bastante irrealista», bromea Manuel cortando unos claveles blancos.

Ramitos, calle Misericordia 2.

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La historia comienza en 1944. El 2 de enero de aquel año, tres socios, Francisco Ledesma y Luis y Rafael Pérez Cuadrado, abren un almacén de paquetería en la planta baja de una casa del siglo XVIII de la calle José Gestoso. El patio de columnas genovesas, una de las cuales luce el escudo de la familia que construyó la morada, se llena de mostradores y de estanterías de madera. Aquel primer negocio vendía de todo: lanas, papel, botones, hilo… El vínculo entre la ciudad y el nuevo establecimiento se estrecha a lo largo de aquellos años en los que el comercio no solo proponía artículos en venta, sino que ofrecía también contacto humano y sentimiento de comunidad. Rafael Pérez, hijo de Luis y actual propietario del establecimiento, me explica que, sin escaparate alguno, la reputación del negocio se ha cimentado siempre en el boca a boca. Los buenos precios y la calidad del producto han hecho el resto. Algunas clientes piden hoy ser atendidas por el mismo vendedor que conoció a su madre o incluso a su abuela. Ese componente afectivo tiñe las relaciones entre el establecimiento y su clientela, que acude desde las barriadas o desde los pueblos de la región para comprar ropa interior, de casa o artículos de perfumería. El equipo de vendedores, enteramente masculino, aconseja pacientemente a una clientela compuesta casi en exclusiva por mujeres acompañadas de sus maridos o de sus hijos. La inversión de roles (vendedora-mujer, cliente-hombre) ha sido marca de la casa desde el principio, me confirma Rafael. Su madre, Pepita, presidió el negocio durante años; hoy es su hija, Ángela, la que toma progresivamente las riendas del establecimiento.

Acercarse una mañana a Pérez Cuadrado tiene algo de viaje en el tiempo. Los muebles originales (mostradores, estanterías) permanecen ahí, custodiados por las columnas del patio. Las marcas de siempre (Abanderado, Instituto Español) siguen presentes a pesar de los años. En Navidad, los clientes hacen cola para comprar los regalos de Reyes. Sin embargo, este viaje no se detiene en el pasado. Tan solo recoge sus mejores frutos (autenticidad, cercanía, identidad) para proyectarlos en el futuro: Pérez Cuadrado y los negocios de su estirpe representan el porvenir que debería ser. La ciudad que debería volver.

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« Quiero ser un clásico. »

¿Qué es ser original? Durante el Barroco, estaba bien visto que los músicos tocaran « a la manera de », como una forma de homenajear al compositor que les había inspirado. La copia era una virtud. Hoy buscamos la novedad en la avalancha de imágenes y sonidos que nos engulle cada día. ¿Y si la originalidad estuviese sobrevalorada? ¿Y si lo moderno fuese escuchar a Antonio Machín y vestirse como nuestros abuelos?

« Sevilla está muy estresada. »

Más allá de la belleza de la ciudad, Sevilla se caracterizaba por cierto espíritu tolerante, o tal vez pasota. El respeto definía la sociabilidad sevillana, capaz de mezclar, con total naturalidad, gentes diametralmente opuestas en la barra de un mismo bar. Vive y deja vivir. ¿Y si ese espíritu estuviera desapareciendo?

« La gente sigue arreglándose para salir a pasear. »

Hubo un tiempo en el que los hombres llevaban sombrero a diario. Hoy nos lo ponemos para desmarcarnos del resto o para celebrar algo. ¿Y si Sevilla, tan propensa al adorno, fuera el último reducto del sombrero?

« La vida te va llevando. »

La vida de Patricia se ha repartido entre California, Londres y Sevilla. Desde el flechazo de sus padres en la plaza del Triunfo hasta la creación de su firma de sombreros, una combinación equilibrada de casualidad y de decisión ha moldeado el camino de esta mujer sencilla y apasionada por su trabajo.

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Ranilla, urdidera, devanadora… así se llaman las máquinas, algunas con 150 años, que se utilizan en este establecimiento. Términos de otra época, cargados de magia y poesía. Jesús las saca a la calle algunas mañanas para entorchar o para trenzar un cordón. Los viandantes se paran a mirar; los turistas hacen fotos. La Giralda se asoma al final de la calle. Parece un milagro que esta escena ocurra en Sevilla, una ciudad tan olvidadiza, tan ingrata con sus artesanos. El sonido de la máquina y el brillo de los hilos de oro tendidos al sol conforman un momento de gran belleza. Hay algo desafiante en esa imagen: el hecho de sacar el trabajo manual a la calle supone una pequeña revolución en estos tiempos digitales. También algo reconfortante, familiar, el recuerdo de una época que no vivimos pero en la que fuimos más felices.

Jesús me confirma la importancia de las hermandades en la pervivencia de los oficios. Una parte importante de los encargos que recibe tiene como objetivo embellecer las imágenes de la Semana Santa. Es hermoso el vínculo que existe en Sevilla entre las cofradías y la artesanía. Una relación de dependencia que tiene sin duda su contrapartida. El espigao, una forma de trenzado, es la marca de la casa. Los cordones de este tipo han salido todos del taller de la calle Francos, el único que los entrelaza así desde hace años, conectando de esta manera a varias generaciones de sevillanos.

Calle Francos, 38

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Budismo y confinamiento

Las cosas dependen de la mirada que proyectamos sobre ellas. El confinamiento puede ser una oportunidad para ejercitar una nueva forma de mirar, que nos enseñe a extraer lo positivo de lo adverso. Como las piezas de Yukiko: objetos desechables, condenados a una existencia efímera, pero reinterpretados y dignificados gracias a la porcelana. «Hay dos tipos de personas: las que se quejan y las que buscan nuevas maneras de ver la vida.»

Azar y arrojo

La importancia de dar sentido a lo que hacemos. «Trabajaba en una multinacional en Japón y mis compañeras solo pensaban en casarse. Sin embargo, a mí no me interesaba ese tipo de vida.» Una mezcla de determinación y de casualidad ha guiado los pasos de Yukiko, que decidió dedicarse a la cerámica y cambiar radicalmente. Durante su formación en la ciudad de Seto, un compañero español fue la excusa perfecta para cambiar de país.

Disneylandia en Sevilla

Después de vivir en Granada y en las Alpujarras, Yukiko aterriza en Sevilla. En la Plaza de España, la artista descubre el uso de la cerámica como elemento arquitectónico. El relato de su encuentro con el monumento deja claro su talento para poetizar la vida, añadiendo además una pizca de humor.

«Cuando trabajo, me olvido del tiempo.»

En japonés, kúu significa cielo, pero también espacio vacío. Un vacío positivo, libre de pensamientos. Una puerta hacia lo esencial. Las piezas de porcelana de Taller Kúu están impregnadas del espíritu budista que el abuelo de Yukiko cultivó y que ella redescubrió en Sevilla. «Me sentí muy perdida durante toda una época. Me ayudó mucho reencontrarme en las enseñanzas de mi abuelo.» Su taller en el Aljarafe constituye un «sitio sagrado» en el que se debe buscar ese vacío, paso previo a la inspiración. Un lugar donde el tiempo se detiene y el equilibrio se alcanza. «Mis piezas son una demostración de mi estilo de vida.» Serenas, casi austeras, pero también tiernas y poéticas.

Entre el Centro y la Alameda

Más de una década en Sevilla y un análisis certero de la ciudad.

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Tras una extensa formación en cerámica, Ana afianzó su aprendizaje en Italia. Con esta sólida base, la artista ha afinado su estilo combinando libertad creativa e inspiración en otras tradiciones, siempre alejada de tendencias pasajeras. La delicadeza de sus piezas evoca más bien la estética wabi-sabi, esa corriente de origen japonés que busca la belleza en lo sencillo e imperfecto. Así, sus creaciones llevan inscrito el proceso de fabricación en la huella de sus manos o en las pinceladas visibles del barniz. Es una porcelana orgánica, en el extremo opuesto a las piezas producidas en serie y de acabados perfectos. Aquí, cada anillo, pendiente o cuenco parece recién salido del taller, acabado y al mismo tiempo inacabado, sencillo pero también sofisticado. Junto a lo japonés, la influencia de la estética escandinava se adivina también en algunas de estas piezas. Además, cada colección de Ana Salas lleva un nombre propio, siempre relacionado con las experiencias y la personalidad de la creadora.

Cuando uno visita la tienda de la calle Zaragoza, percibe de inmediato la coherencia entre la vida y el trabajo de Ana. Al igual que en su casa, los recursos, seleccionados con criterio, se reducen al mínimo. Los muebles, entre sencillez y espíritu retro, sirven de soporte a las piezas, siempre sin eclipsarlas. Todo está dispuesto con mimo. No se puede entrar en este lugar si se tiene prisa: uno va descubriendo poco a poco cada anillo, cada broche. Diseminadas por todo el espacio, cada creación se desvela pausadamente al acercarse y mirar. «Joyas silenciosas.» Ana Salas sabe bien que discreción y elegancia van de la mano. Su diálogo con la porcelana (la creadora trabaja a veces en el pequeño taller que ha instalado en un rincón de la boutique) produce un mundo vulnerable, liviano, y al mismo tiempo muy presente. Como la luz.

Ana Salas vende sus creaciones en su tienda de la calle Zaragoza y, en diciembre, en el mercadillo de Navidad de la Plaza Nueva.

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Para ilustrar las explicaciones de su madre, María José, la hija que ha tomado el relevo en el savoir–faire familiar, va sacando algunas piezas de la colección de mantones antiguos que ambas han reunido con los años: mantones isabelinos, chinescos, de cigarrera, Art déco, mexicanos… «El oficio de bordadora se transmitía de madres a hijas. Desde muy pequeñas, las niñas se entrenaban con un pequeño bastidor y luego seguían su aprendizaje en un taller. El sueldo que una bordadora traía a casa era vital para la economía familiar.» Uno se pregunta cuántas horas de trabajo se lleva cada pétalo, cada hoja, cada motivo bordado en la seda. ¿En qué pensaría la bordadora mientras dibujaba con aguja e hilo las alas de ese pájaro? Ángeles prosigue: «A partir de los años 60, el mantón entró en crisis: se perdió la calidad del bordado, los matices en el color. Empezaron a producirse de forma casi industrial para los turistas. Yo siempre me esforcé por proteger, por recuperar la esencia del mantón antiguo».

En 1979, Ángeles Espinar expuso por primera vez en una muestra de artesanía celebrada en el paseo Marqués de Contadero. «Lo vendí todo y lo mismo ocurrió en todas las exposiciones posteriores.» Justo enfrente de su casa en Villamanrique, al otro lado de la calle, se encuentra el taller. «En la mejor época empleaba a alrededor de 100 bordadoras. Hoy tengo 5 o 6. La imagen tradicional de las bordadoras trabajando juntas en un taller no existe desde los años 50: ahora se llevan el trabajo a casa y lo entregan una vez terminado». María José me muestra cómo se dibujan las plantillas que sirven para los diferentes motivos de bordado. Además, me enseña una pequeña colección de plantillas antiguas, en papel de arroz, algunas con el sello de Canton estampado en tinta. También da algunas puntadas para mostrarme cómo se borda un mantón. Con precisión y delicadeza, maneja la aguja y el hilo para, una a una, dar las puntadas que irán dibujando el pétalo de una flor. Me siento un poco ridículo grabando con mi iPhone las manos de María José, cuya pericia encierra más belleza y más verdad que cualquier gadget tecnológico. Y es que una visita al taller de Ángeles Espinar tiene algo de viaje en el tiempo, o más bien de una pausa en el tiempo. Como si los minutos se quedaran prendidos en esas manos expertas, o en esos jardines bordados en seda y siempre en flor.

«Elle a un beau point». C’est ainsi qu’était défini dans le passé le talent de certaines brodeuses de mantones spécialement douées pour le métier. Parce qu’une chose est de bien broder et une autre est d’avoir cette chose indéfinissable qui donne de la vie à la broderie. Quelque chose qui n’est pas apprise, que l’on a ou que l’on n’a pas. C’est Ángeles Espinar qui m’explique tout cela dans le salon de sa maison, dans le village de Villamanrique de la Condesa, à 30 kilomètres de Séville. La porte ouverte du jardin laisse pénétrer la lumière de l’automne. Dehors, je peux voir un bouquet de roses fraîchement coupées sur une table. Ángeles, 80 ans, me raconte avec passion l’histoire de son atelier. «Ma mère a commencé dans les années 30. Villamanrique fabriquait à cette époque presque toute la broderie pour les usines de Séville. Auparavant, les châles venaient tous de Canton, dans le galion de Manille, mais ils ont finalement commencé à être produits localement.»

Pour illustrer les explications de sa mère, María José, la fille qui a repris le savoir-faire familial, sort quelques uns des mantones anciens de la collection que mère et fille ont rassemblée au fil des ans: des modèles isabelinos, chinois, de cigarrera, Art déco, mexicains … «Le métier de brodeuse était transmis de mère en fille. Dès leur plus jeune âge, les filles recevaient un petit châssis pour broder. Elles suivaient ensuite leur apprentissage dans un atelier. Le salaire qu’une brodeuse rapportait à la maison était vital pour l’économie familiale. » On se demande combien d’heures de travail prend chaque pétale, chaque feuille, chaque motif brodé dans la soie. À quoi penserait la brodeuse en dessinant au fil et à l’aiguille les ailes de cet oiseau-là ? Angeles poursuit: «A partir des années 60, le mantón est entré en crise: le savoir-faire de la broderie s’est perdu. Ils ont commencé à être produits presque de manière industrielle pour les touristes. De mon côté, je me suis appliquée à protéger, à récupérer l’essence du mantón à l’ancienne. «

En 1979, Ángeles Espinar expose pour la première fois lors d’une exposition d’artisanat à Séville «J’ai tout vendu et ça a été pareil dans toutes les expositions suivantes.» L’atelier se trouve juste en face de sa maison à Villamanrique, de l’autre côté de la rue. «À la meilleure époque, j’employais environ 100 brodeuses. Aujourd’hui, j’en ai 5 ou 6. L’image traditionnelle des brodeuses travaillant ensemble dans un atelier n’existe plus depuis les années 50: maintenant, elles ramènent le travail à la maison et le livrent une fois terminé» . María José me montre comment les modèles utilisés pour différents motifs de broderie sont dessinés. Elle me montre aussi une petite collection de vieux modèles, sur du papier de riz, certains avec le sceau de Canton estampé à l’encre. Elle fait également quelques points dans la soie pour me montrer comment on brode un mantón. Avec précision et délicatesse, elle manie l’aiguille et le fil pour donner, un à un, les points qui vont dessiner le pétale d’une fleur. Je me sens un peu ridicule d’enregistrer avec mon iPhone les mains de María José, dont le savoir-faire renferme plus de beauté et de vérité que n’importe quel gadget technologique. C’est qu’une visite de l’atelier de Ángeles Espinar est comme un voyage dans le temps, ou plutôt une pause dans le temps. Comme si les minutes restaient accrochées à ces mains expertes, ou à ces jardins brodés en soie et toujours en fleur.

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Muy pronto, sus piezas atrajeron la atención de algunas boutiques y de la prensa especializada, por lo que, animada por su círculo de amigos, decidió abrir su taller al público y transformarlo en tienda donde exponer sus creaciones: colgantes, anillos, diademas, tocados… Fabricadas de manera artesanal, sus piezas hablan del pasado y del futuro, del aquí y del allá, de la naturaleza y del cosmos, de tradición, de modernidad. El Art déco, el Hollywood clásico, el espiritismo, la Antigüedad, el Modernismo… todo encaja en el estilo de Le Voilà. El espíritu surrealista de Francis Picabia (el nombre de la marca viene de una de sus fotografías) impregna estas creaciones, que revolotean sobre las manos, cabezas y cuellos de los clientes escapando a cualquier definición. Hoy, Le voilà es un espacio lleno de savoir-faire, nacido gracias al talento y a las fuerzas del destino.

Calle Pérez Galdós, 4

https://levoila.es

Calle Pérez Galdós, 4

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Originaria de Aichi, región japonesa con una gran tradición cerámica, la artista se formó en la Escuela Superior de Seto. En Andalucía, pasó primero por Granada y por las Alpujarras. Al llegar a Sevilla, su primer impacto visual se produce en la Plaza de España. «Era como visitar Disneylandia. Nunca había visto la cerámica utilizada en la ornamentación exterior de edificios.» Tras trabajar en la restauración del monumento, Yukiko comienza a plantearse la posibilidad de crear su propia firma. Así nace Taller Kúu («cielo» en japonés). «Los vasos y platos de papel en una fiesta de cumpleaños me hicieron reflexionar sobre el concepto de «usar y tirar», tan presente en nuestras sociedades. Luego, los juguetes antiguos que colecciono desde hace años, como muñequitos o animales, me inspiraron el lado escultórico de mis piezas.» Sacar de contexto objetos cotidianos, reinventarlos. Ese es el objetivo. Así, un bote vacío de Cristasol se convierte en una aceitera con reminiscencias Art déco. Lo desechable se dignifica gracias a la porcelana. «Aunque aparentemente es frágil, la porcelana tiene una gran fuerza. Mi abuelo me decía que yo tenía que ser así: delicada y resistente a la vez.» Junto con la nostalgia por el pasado y la reflexión sobre los usos y costumbres de la modernidad, la naturaleza es la tercera fuente de inspiración evidente en el trabajo de Yukiko. Sus piezas cuestionan nuestro modo de estar y de relacionarnos con el mundo. «La porcelana está viva. Al igual que ella se adapta a la forma que le impones, tú tienes que adaptarte a ella, tienes que respetar su carácter, que depende de muchos factores.» Desde su creación en 2012, Taller Kúu ha conseguido consolidar una identidad rápidamente identificable, que cuenta con verdaderos coleccionistas actualmente. La recepción por parte de la clientela sevillana también ha evolucionado con el tiempo. El recelo inicial ante lo nuevo se ha transformado en abierta curiosidad, cuando no en verdadera admiración: «Los japoneses valoran mucho lo hecho a mano. Aquí es diferente, aunque las cosas están cambiando.» Prueba de ello es que el puesto de Taller Kúu en el mercado de Navidad de la Plaza Nueva es de los más visitados. Mientras tanto, Yukiko sigue moldeando la porcelana desde su taller abierto al Guadalquivir. «La cerámica es mi vida. Cuando trabajo, me concentro tanto que me olvido del tiempo. Simplemente no existe.» Quizás ahí resida el secreto de estas piezas: hacernos salir del tiempo mientras tomamos una taza de té.

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1964. La Princesse Grace de Monaco visite la Feria de Séville et souhaite être habillée par Lina, une maison qui, en quelques années, est devenue célèbre pour son savoir-faire dans la création de robes de flamenca. Après une nuit entière passée à terminer cette commande inattendue, Marcelina Fernández, danseuse et fondatrice de la maison avec son mari (toréador et dessinateur), se rend le matin avec le costume à l’hôtel Alfonso XIII. Dans la suite où elle loge, Lina se souvient de Grace Kelly comme d’une «femme grande à la peau claire ornée de petites taches de rousseur». Lors de l’essayage, tout le monde réalise avec étonnement qu’aucun ajustement n’est nécessaire: le tissu s’adapte parfaitement au corps. L’image de la star hollywoodienne en robe à volants fera le tour du monde et fera de Lina LA maison de couture flamenca par excellence. Depuis lors, la marque s’est toujours attachée à la confection de robes de façon complètement artisanale. Le plus grand soin est apporté à la coupe et aux finitions, avec comme résultat des pièces uniques. Aujourd’hui, Mila et Rocío, les filles de Marcelina, dirigent la maison et s’occupent d’en préserver l’héritage. La boutique à côté de la Plaza del Salvador, qui a reçu les visites de John Galliano et de Jean Paul Gaultier, est un mélange de point de vente, d’atelier et de lieu de rencontre. Les clientes viennent se laisser conseiller pour trouver la robe qui fera d’elles la plus belle de la Feria, dans une ambiance qui, malgré la notoriété de la marque, reste accueillante et décontractée. Lina est une grande famille. Comme sa fondatrice l’a toujours voulu. Un lieu ouvert à tous qui fait partie du patrimoine de Séville. Une adresse qui vaut le détour pour comprendre cette partie essentielle du folklore andalou. Toujours sous le regard sublime de Grace Kelly.

Calle Lineros, 17

Tél. 954 212 423

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